Reportajes de vídeo
                                        



Etiopía, en las fuentes del Nilo.
Un viaje por el techo de África
o la tierra del Preste Juan


Islandia, donde la Tierra se crea
Nueva York, cool and crazy


Los Jinetes del hambre
¿Por qué hay hambre en el mundo?




Chipre: Los dos hogares de Afrodita




Gibraltar, la llave de Europa




Nepal, en busca de su nirvana




Iraq, el paraiso perdido




La Europa próxima








¿Un poco de gramática? ¿Para qué?

Donde se explica por qué se dice esta agua y no este agua, y se analiza el intento de algunas EXmiembras del gobierno de querer feminizar todo el lenguaje. Claro que cada uno puede decir lo que le venga en la gana porque al final los reales académicos acabarán convalidando todo, dejando con el culo al aire a los que defienden posiciones ¿correctas?.




En el año 1972 dirigí la obra de teatro de Buero Vallejo LAS CARTAS BOCA ABAJO (pinchar en programa para verlo ampliado). Fue ayudante de Dirección Julito Sánchez Valdés. Muchos recuerdos de aquella época en que hicimos LA CAMISA, de Lauro Olmo; LA ZAPATERA PRODIGIOSA, de Lorca; UN SOÑADOR PARA EL PUEBLO... 
UN DETERIORADO CAMINO DE SANTIAGO
(Fotos denuncia)

                                        



CÓMO FUE POSIBLE VER LA LLEGADA DEL HOMBRE A LA LUNA


El 25 de agosto de 2012 falleció Neil Armstrong, el primer hombre en hollar la Luna. Se ha hablado mucho sobre aquel épico viaje a nuestro satélite, pero muy poco acerca de cómo fue posible que pudiera verse en directo. En este documental se cuentan las claves de aquel milagro televisivo que a punto estuvo de no producirse. Cónoce el por qué.










Dubai, un desafío al desierto (y al mar)

Un documental de 36 minutos, rodado en Dubai y Abu Dhabi en alta definición, que muestra el tesón de un pueblo rico en petróleo por desarrollarse en un medio hostil que encara su futuro sabiendo que muy pronto dejará de tener su preciado oro negro. No sólo han ganado la batalla al desierto sino que han emprendido la conquista del mar. Enormes edificios que sobrepasan la comprensión humana, complejos turísticos en medio de las olas y proyectos de ciencia ficción rodeados de un lujo desmedido que solo unos pocos pueden disfrutar a costa del sacrificio de los demás.  ¿Todo esto tiene futuro? Yo tengo muchas dudas. (Las fotos finales son de Elvira Vila)

30.000 LEGUAS DE VIAJE POR EL ÁFRICA AUSTRAL

Un recorrido de 7.108 kms. desde el Cabo de Buena Esperanza hasta las Cataratas Victoria, pasando por Ciudad del Cabo, Khalahari, Fish River Canon, Luderitz, Sesriem, desierto del Namib, Costa de los Esqueletos, Epupa, Ethosa, Delta del Okavango y Chobe. 

Podéis consultar igualmente el ITINERARIO REAL de esos 7.108 Km recorridos en camión, avioneta y mekoro, y grabado con GPS, que puede verse en Google Earth. Al acercarse al suelo, se ven todos los accidentes del terreno. Solo hay que pinchar en el enlace y el programa de Google se abrirá automáticamete, como por encanto.

TINTÍN DESDE MI                              INFANCIA

My Great Web page



IMÁGENES PANORÁMICAS DE MADRID
ESPACIO AÉREO
EN TIEMPO REAL
La página más audaz para el internauta más inteligente  (La frase no es mía, pero mola)
España ha sido siempre muy poca cosa para un español (tampoco es mía, pero es verdad)



  Aquí habrá un poco de todo y un mucho de nada (o casi).  Este es un sitio libre de nacionalismos de todo tipo



Página personal mía, o sea, del Lic. Alejandro Nicolás Martínez

Bellísima aria de "Las joyas de Fausto" de Gounod, por la Caballé con dibujos de Tintín editados por mi.  Divertido. (Paciencia que tarda un poco en abrir)
Loading the player...

  • Anna Netrebko, soprano, como Anna Bolena. <br> Elina Garanca, mezzo-soprano, como Jane Seymour. <br> Acto II de la ópera Anna Bolena de Gaetano Donizetti, con libreto de Felice Romani. <br>  Orquesta de la Ópera de Viena. <br>  Director: Evelino Pidò.  2011. <br><br>   Enrique VIII de Inglaterra estaba casado con Catalina de Aragón, hija de los Reyes Católicos que alumbró a la futura reina de Inglaterra, María I. <br><br>    Al no concebir ningún varón, Enrique decidió divorciarse de ella para casarse con la doncella de su mujer, Anna Bolena lo que supuso en 1533 la excomunión del soberano a manos del papa Clemente VII, y la separación de la corona inglesa de la Iglesia Católica. <br><br>     Tres años después de su segundo matrimonio, Anna Bolena es decapitada en 1536 en la Torre de Londres. <br><br>  Como repetición de la historia, Enrique se casa con la doncella de Anna, Jane Seymour que falleció a los doce días del alumbramiento de Eduardo VI, futuro rey de Inglaterra. <br><br>   En este duo del comienzo del acto II de la ópera, se enfrentan Anna Bolena y su doncella, Jane Seymour en un diálogo en que solo al final se sobreponen sus voces que hasta ese momento han establecido una dramática conversación. La escena comienza con el rezo de Anna («Dio, che mi vedi in core», «Dios, que puedes ver en mi corazon») momento en que entra Juana. <br> <br>   Seymour desea avisar a su reina que es preferible reconocer su traición y salvar la vida que persistir en el empeño de querer seguir ocupando el trono. Y le hace ver que otra mujer ocupa el corazón del rey. <br><br>   Anna desea fervientemente conocer su nombre mientras maldice sus intenciones. Juana le pide perdón y Anna comprende que es ella, su fiel amiga, la que ocupa ahora los sentimientos de su marido. <br><br>   Juana, arrepentida de su amor por Enrique, se avergüenza ante Anna de ese amor nacido de la impericia de una joven atraída por el poder y los encantos del rey («Dal mi cor punita io sono... inesperta, lusingata», «De mi propio corazón soy rea... inexperta, adulada»). <br><br>   Su despechada reina perdona, sin embargo, a su querida Juana en un final apoteósico ocupado por ambas voces: una pidiendo perdón y la otra concediéndolo. <br><br>   Netrebko y Garanca (una rusa, otra letona, un ejemplo claro de cooperación olvidando pasadas historias) no es la primera vez que trabajan juntas. Las recordamos en la ópera de Bellini, Capuletos y Montescos de 2009 en Londres, o un año antes en la grabación de Souvernirs un album de la rusa en que ambas interpretan  Barcarolle de «Los Cuentos de Hoffmann» de Offenbach que también tengo en mi cuenta de YouTube. Sin olvidar la gala de Baden Baden junto a Vargas, Tezier y Armiliato. <br><br>   En este duo de Donizetti, no he podido seguir con mi partitura en final de la versión que aquí traigo de Pidò. En otro momento he intentado recomponer algunas partes que Anna ha cambiado sobre la partitura original. <br><br>  Este es un vídeo gratuito con finalidad cultural por lo que no pretende vulnerar derechos de autor. <br>
  • Nicolai Ghiaurov, bajo, como Mephistopheles<br>  Orquesta Lírica de la Ópera de Chicago<br>  Director George Prêtre<br>  Chicago, 25 de septiembre de 1979. <br><br>   Mefistófeles que ha conseguido el compromiso escrito de Faustro de entregarle su alma a cambio de la juventud, invita a buen vino a los jóvenes que van a la guerra y les canta una irreverente canción: «Le veau d'or» o el «becerro de oro»,  que trata sobre el famoso becerro que Aarón, hermano de Moises, consintió erigir con la fundición del oro que los israelitas llevaban consigo tras la salida de Egipto. Cuando Moises descendió del monte Sinaí con las tablas de la ley y vio que sus compatriotas adoraban a este falso dios, lo destruyó estrellando contra él los mandamientos esculpidos en piedra que Dios le había entregado. <br><br>   En esta aria, los dos versos tienen la misma estructura con un tempo «allegro maestoso» según indica la partitura. El bajo debe comenzar las tres notas del primer verso con fuerza que para eso le deja espacio la orquesta. El segundo verso es idéntico, pero es interpretado, quizás, con una carga añadida de sarcasmo y libertad, dejando que el coro final sea el protagonista de las últimas notas; en este momento, el bajo les puede acompañar levemente indicando así que quien verdaderamente dirige el baile es el mismo Mefisto. <br><br>   La interpretación de Ghiaurov (junto con Freni, Kraus y la más breve de Stilwell) es soberbia musicalmente y además está adornada , durante toda la representación de un sarcasmo que aligera el drama de la obra. <br>
  • Barítono: Richard Stilwell en el papel de Valentine. <br> Orquesta Lírica de la Ópera de Chicago <br> Director: George Prêtre. <br> Chicago, 25 de septiembre de 1979 <br> Esta pieza musical fue añadida en 1864 a regañadientes por Gounod para la versión inglesa de su Fausto , que se representó en el teatro Her Majesty's, de ahí que en la versión francesa original no figurase el aria que nunca fuera interpretada en los escenarios franceses. <br> Gounod para esta puesta en escena inglesa cortó sensiblemente el papel de Valentine eliminando, además de otras piezas, el  dueto que tenía con su Marguerite en el acto II («Adieu Valentine») donde ella entrega la medalla a su hermano para que le proteja en la guerra. Estas supresiones dejaron al personaje musicalmente desnudo, lo que ahuyentaba a los barítonos de la época que veían recortado su lucimiento. <br> Charles Santley, el barítono inglés encargado de llevar al escenario la versión inglesa de 1864, pidió al compositor inglés que le escribiera un aria para ese segundo acto y Gounod, al parecer de mala gana aunque no he sabido el por qué,  utilizó entonces una melodía del Preludio a la que adornó con una composición poética de un amigo suyo, el crítico musical inglés Henry F. Chorley ,titulada «Even bravest heart may swell». Esta letra, posteriormente se cambió por el texto del también poeta francés Onésime Pradère titulado «Avant de quitter ces lieux» que es precisamente la que traigo aquí. <br> Lo hago porque, además de su belleza, dulzura y popularidad, pone a prueba la voz del barítono.  No son pocos los que abordan esta aria para probarse a sí mismos ya que su interpretación supone subir un grado en la escala de la calidad. <br> Tiene tres partes diferenciadas: la primera es un tempo adagio en el que hay una cierta dificultad en la frase «ma sœur je confie» porque sobre la palabra ma-a-a hay que pronunciar  tres notas, hasta alcanzar el Sol, luego bajar al Si (soeur) y continuar sin respirar para pronunciar «je confie» donde ya hay que tomar aire. He subrayado esta frase para denotar lo bien que lo hace Stilwell con su interpretación limpia y perfecta. <br> La segunda parte del aria comienza en «Délivré d'une triste pensée» es un andante que debe pronunciarse con vigor pero sin correr. En la segunda «gloire» se suprime la nota y no se lee la «re» final.  Y ahora viene lo más difícil, subir en la frase «plus brave» desde el Mi «plus» hasta el Sol bemol en «brave» estar allí un poco con poderío y descender suavemente al La-Si-Do de «au-au-au». Y aquí Stilwell hace algo distinto junto con la orquesta y es detenerse un instante antes de ir al trío mencionado. <br> La tercera parte, que comienza en «Avant de quitter ces lieux» suavemente va creciendo hasta «à toi Seigneur» para alcanzar un anteclimax en la frase «ma-a-a soeur» que tengo subrayada, y conseguir el Sol en la letra O con bravura y poderío para bajar lentamente hasta suavizar con mucha ternura la frase «protège Marguerite» y acabar un «Roi des cieux» tal como se ordena en la partitura sin los adornos que ponen la mayoría pero que no mejoran lo escrito, en mi opinión. <br> En fin, un aria con mucha dificultad que Stilwell pasa ampliamente cumpliendo con las notas del compositor en una interpretación a la altura de las voces que le acompañan (mejor sería decir a la voces que él acompaña) como son la del español Alfredo Kraus, la italiana Mirella Freni (dicen que una de las mejores Marguerites, aunque mi preferida es Anna Mofo) y la del impresionante Nicolai Ghiaurov. <br> La invocación de Valentín tiene lugar poco antes de marchar a la guerra momento en que confía el cuidado de su hermana Marguerite a su amigo Siebel, está enamorado de ella. <br> Faust está basada en la primera parte de la monumental obra de Johann Wolfgang von Goethe.
  • ¡Ah! je ris de me voir si belle (Faust, Air des bijoux, Aria de las Joyas, the Jewels song).  Ópera Faust de Charles Gounod. Libreto de Jules Barbier y Michel Carré. Anna Moffo, soprano Glen Osser, director Orquesta Firestone Gran Salón de Baile, Hotel Waldorf Astoria 13 de enero de 1963 Voces Firestone Gala ABC televisión   Esta aria es una de mis preferidas porque aparece en mi vida por primera vez cuando leo de niño las aventuras de Tintín. Tan apasionado fui (y sigo siendo) a Tintín que he hecho un montaje de esta misma aria con la voz de Montserrat Caballé utilizando viñetas de Hergé y que está disponible en mi web www.rinconcete.com. Me llevó 3 días editarlas y a mi juicio la pieza ha quedado muy graciosa.  La soprano que aquí traigo es la hermosísima Anna Moffo, que con sus 31 años, interpreta una de las piezas más difíciles, el aria de las Joyas de Faustro, de Gounod.  Aquí la vemos tras su operación de rinoplastia que la convirtió en una de las 10 mujeres más bellas de Italia, según votación popular.   En la interpretación que hace de la obra de Charles Gounod, a mi juicio alarga innecesariamente la nota Do en co-lier (2:16) (nota que en la partitura es una negra), tampoco acierta con el Fa trémolo del ¡Ah! anterior a Je rie, (2:32) y finalmente hace una repetición de au passage (3:50) poco elegante y que tampoco figura en el pentagrama.  Pero claro para gustos... Es solo una opinión que espero sea respetada, aunque no necesariamente compartida.  Pero a Anna Moffo yo le perdono todas estas nimiedades porque su interpretación gesticular es soberbia (qué cambio de expresiones con el movimiento de cejas: parece otra persona) y de ello se dio cuenta admirablemente el realizador (lamento no saber su nombre) que la sostuvo con un solo plano prácticamente durante toda la interpretación. Magistral realización.  Voices of Firestone (Voces de Firestone) fue un programa patrocinado por esta marca de neumáticos que comenzó su andadura radiofónica en 1928 en la NBC radio y que tras dos décadas de cita con la audiencia los lunes por a las 8,30 de la noche llegó en 1949 a la NBC televisión simultaneando ambas emisiones durante cinco años. Sin embargo, la experiencia televisiva no fue al parecer buena para  las audiencias del espacio, de una duración de media hora, y la cadena decidió en 1954 ensayar otras franjas horarias. La disputa con el patrocinador sobre el cambio horario llevó a Firestone a cambiarse a la ABC aunque las emisiones de radio continuaron en la NBC. El espacio continuó en la televisión hasta que la cadena tampoco vio negocio y el espacio se canceló. Al parecer, hubo alguna protesta enviada al Congreso norteamericano y en 1960 regresó el programa a las noches de los domingos. La nueva etapa duró poco y en la primavera de 1963 fue clausurado definitivamente.
  • Más arias y piezas de ópera en www.rinconcete.com  «Giorni poveri vivea», de Il Trovatore de G. Verdi (Drama lirico en cuatro actos).  Libreto de Salvadore Cammarano y Leone Emanuele Bardare basado en «El Trovador» (1836), de Antonio García Gutiérrez.  Representación ante el público en el Festival de Salzburgo, el 31 de julio de 1962 en el Grosses Festspielhaus.  Herbert von Karajan, director de escena Teo Otto, escenario. Georges Wakhevitch, vestuario. Coro de la ópera de Viena. Roberto Benaglio, director del coro Orquesta Filarmónica de Viena. Herbert von Karajan, director.  Reparto: Ettore Bastianini, Conde de Luna. Leontyne Price, Leonor. Giulietta Simionato, Azucena. Franco Corelli, Manrico. Nicola Zaccaria, Ferrando. Laurence Dutoit, Inés. Siegfried Rudolf Frese, Ruiz. Rudolf Zimmer, Karl Caslavsky, Gitanos. Kurt Equiluz, Mensajero.  Es esta, quizás, una de las mejores representaciones de esta ópera tan popular que lamentablemente no fue grabada en cine o videotape aunque sí tenemos la suerte de tenerla registrada en audio. Es considerada por los entendidos como una de las interpretaciones imprescindibles en la discoteca de los aficionados.  Il Trovatore fue una de las óperas preferidas de Karajan por representar el arquetipo de las pasiones humanas y su admirable traslación a la partitura. Al comienzo de su brillante carrera Karajan la dirigió para una grabación en estudio en Milán, en 1956, junto con Maria Callas y Giuseppe di Stefano. Luego la representó algunas veces más, pero es la de Salzsburgo, a juicio de los entendidos, una de sus actuaciones más completas. En 1978 volvió a llevarla al escenario con Kabaivanksa, Cossotto, Cappuccilli, van Dam y Franco Bonisolli. Éste, sin embargo, protagonizó un altercado con Karajan al que tiró una espada durante un ensayo con público y luego furioso abandonó el escenario. Así las cosas, fue sustituido por Plácido Domingo.  En la pieza que hoy traigo, la protagonista (en realidad es la protagonista de toda la obra) es Azucena, la gitana, interpretada por una mezzo dramática que requiere una tesitura desde el Re3 al Do6.  El libreto, basado en la obra homónima \
  • Don Carlos (versión francesa). Isabel de Valois: Mirella Freni, soprano lírica. Orquesta del MET. Director: James Levin. Nueva York, 1983. <p> El texto de la obra, escrito originalmente en francés, se tituló Don Carlos aunque posteriormente en la versión italiana se cambió por Don Carlo. <p> La versión francesa se compone de cinco actos con el libreto firmado por rançois Joseph Méry y Camille du Locle, basado en el drama «Dom Karlos, Infant von Spanien» de Federico Schiller. Tuvo su primera representación en el Teatro Imperial de la Ópera de París,  el 11 de marzo de 1867. <p> La versión italiana se estrenó en el Teatro de la Scala de Milán el 10 de enero de 1884.
  •  Kiri Te Kanawa, como Maria .Vladimir Chernov, como Simon Boccanegra. Orquesta del MET . Director: James Levin,  Nueva York, 1995.  <p/> Precioso dueto de la ópera Simón Boccanegra, terminada de componer por Verdi a finales de 1856. El estreno tuvo lugar en el Teatro La Fenice de Venecia el 12 de marzo de 1857 y fue un fracaso total. Durante 24 años, la obra fue olvidada hasta que Verdi encargó a Arrigo Boito la reelaboración del texto. La partitura final fue estrenada en la Scala de Milán.   <p/> Después de 1853, en que termina el ciclo de sus tres grandes óperas (Rigoletto, Il Trovatore y La Traviata), Verdi no estrena ninguna obra. La Fenice le encarga entonces un nuevo trabajo y Verdi elige la historia del dogo de Génova, Simon Boccanegra un personaje histórico cuya vida fue popularizada por el escritor español Antonio García Gutiérrez.  <p/>  Boccanegra fue elegido dogo de Génova en 1339 como candidato de la facción popular Gibelina en la que militaban los primeros burgueses como Adorno o Guarco, opuestos a los aristócratas guelfos. Su poder se extendió hasta los confines franceses e italianos, con excepción del control que los Grimaldi ejercía sobre Mónaco.  Verdi encarga el libreto a Piave, el mismo que escribió Rigoletto, La Traviata y Macbeth. Pero su estreno, como queda dicho, fue un fracaso. <p/>  Verdi, sin embargo, amaba demasiado esta ópera como para olvidarla y 24 años después de su estreno en Venecia encarga a su antiguo enemigo Arrigo Boito, compositor y libretista, la revisión del texto. Verdi trabajó en la reelaboración durante todo 1880, hasta su estreno el 24 de marzo de 1881 en la Scala milanesa.
  • Cuarteto de la ópera Attila, de Giuseppe Verdi.  Libreto: Temistocle Solera. Bajo:Samuel Ramey, como Attila. Soprano: Cheryl Studer, como Odabella.Barítono: Giorgio Zancanaro, como Ezio . Tenor: Kaludi Kaludov, como Foresto.  Orquesta y coros del Teatro alla Scala.  Director: Riccardo Muti . Milán, 1991. <p/>   Attila es una ópera en un prólogo y tres actos basada en la pieza teatral «Attila, König der Hunnen» de Zacharias Werner. Fue estrenada el 17 de marzo de 1846 en el Teatro La Fenice de Venecia.  <p/>Típica obra verdiana con marcados tintes patrióticos tan del gusto del compositor de Busseto de la primera época; aires patrios que entusiasmaban al público del momento y que no se comprenden sin asociarlo al movimiento político del Risorgimento Italiano. <p/>  Leo por ahí que esta música es fácil y resultona, adjetivos realmente sorprendentes cuando la finalidad de la música es alimentar el espíritu del ser humano sin distinción de clases.
  • Richard Croft, como Mitridate.  Dirección musical: Marc Minkowski.  Netta Or (Aspasia).  Miah Persson (Sifare).  Bejun Mehta (Farnace) . Ángela Bohlin (Ismene).  Les Musiciens du Louvre - Grenoble.  Puesta en escena: Günter Krämer.  Salzburgo, 21-28 de agosto de 2006.   <p/>Mozart compuso esta obra a los 14 años con la ayuda de su padre, Leopoldo. Fue representada por primera vez en Milán en 1770. Tras su representación, la obra, considerada durante mucho tiempo como una obra juvenil e inmadura, fue olvidada y solo al final del siglo XX comenzó a llegar nuevamente a los escenarios. Hoy está considerada como una obra maestra debido a la belleza de sus arias. <p/>  Y como un mantra a lo largo de la Historia, la figura del padre es la protagonista de la obra. Su autoridad es desafiada por hijos y prometida que rechazan los planes paternos rebelándose contra ellos mediante traiciones y engaños. La figura paterna volverá o ocupar un puesto singular en la partitura mozartiana con Don Giovanni, como lo fue en la posterior obra de otro genio de la música: Verdi.<p/>  La versión de Salzburgo de Minkowski redujo la versión original cambiando algunas arias de sitio y reduciendo o suprimiendo otras de las que salieron indemnes las de Farnace e Ismene. <p/>  Sobre la puesta en escena, su autor, Günter Krämer, confiesa que busca mostrar una continua claustrofobia observada continuamente desde una instancia superior a través de un singular juego de espejos. <p/>
  • Tenor: Alfredo Kraus, como Tonio. Orquesta y Coros de la Ópera Nacional de París.  Director: Bruno Campanella. París, agosto de 1986. <p> Alfredo Kraus tenía en esta grabación 59 años. Una interpretación admirable, sin duda. <p> En las partituras incluida en el vídeo no aparece en la pantalla por razones de espacio la correspondiente a los tenores del coro. <p> Donizetti no escribió más que ocho «dos» de pecho, tal como figura en la partitura, aunque normalmente no hay tenor que no incluya al final el noveno, suprimiendo algunas notas, tal como lo hace Kraus en esta interpretación, por lo que he incluido sobreimpresionado ese último do5 y entre corchetes rojos lo eliminado. <p> La grabación no es muy aceptable en cuanto a la calidad del vídeo (se ven las líneas del entrelazado en algunos momentos) y, sobre todo, del audio que no parece soportar demasiado bien los agudos y que se desvanece cuando el tenor está de espaldas al micrófono.
  •  Barítono: Giorgio Zancanaro, como Ezio, general romano. Teatro alla Scala, 1991 Director: Riccardo Muti <p/> Es sabido que Verdi utilizó su música para fomentar el ardor patriótico de los italianos en la defensa de su tierra frente a los invasores franceses y austriacos, principalmente. Como en Nabuco, Verdi utilizó su Attila para enardecer a las masas con su aria «Avrai tu l'universo, resti l'Italia a me»  (Tu tendrás el universo, déjame a mi Italia), cantada por el general romano Ezio (Aecio en la realidad). Cuando era interpretada, el público italiano coreaba interrumpiendo con un «a noi, a noi» en lugar de «a me, a me» tal como rezaba la partitura. Y no podemos olvidar el aria de Osabella titulada «Santo di patria», ni la cabaleta de Foresto «Cara patria, già madre e reina». <p/> Flavio Aecio (Ezio, en la obra) fue un general romano del período final del Imperio de Occidente (433-454) que dirigió su defensa contra los ataques de los pueblos bárbaros, entre ellos los Hunos.  Fue conocido como «el último de los romanos» y será recordado por la histórica Batalla de los Campos Cataláunicos (también llamada Batalla de Châlons, o Batalla de Locus Mauriacus), que tuvo lugar en junio del 451 de nuestra era, en la que, enfrentándose al rey Atila que comandaba el ejército de los Hunos, muy superior en número, venció con la ayuda del rey visigodo Teodorico I. .<p/> Esta batalla fue la última operación a gran escala en el Imperio Romano de Occidente y la cumbre de la carrera de Aecio.  El lugar donde se piensa que tuvo lugar la batalla fue en algún descampado en la margen izquierda del río Marne, cerca de la ciudad de Châlons-en-Champagne, actualmente en el norte francés, aunque se desconoce la ubicación exacta. <p/> En esta aria, el general considera llegada su hora y precide el llanto de Italia si es vencido por el invasor, representado en la ópera por el huno Atila, que en realidad representa al invasor asutríaco de la época verdiana.
  • Mark Reizen, bajo, en el papel de Principe Gremin .  Orquesta del Teatro Bolsoi. Director: Alexander Ivanovich Orlov. Grabación en estudio, Moscú, 1948. <p/> El personaje del príncipe Gremín requiere una voz de bajo profundo, llena de oscura sonoridad y consistencia. En este caso, sin embargo, el personaje - tan seguro de sí, a juzgar por la enorme presencia de su voz- está a un paso de descubrir el verdadero amor de su mujer. <p/> Para encontrar también papeles de bajo profundo hay que irse a Wagner. En Alemania a este bajo se le llama «Tiefer bass», es decir, «bajo negro». Su timbre es vibrante y profundo, y su personalidad, malvada, aviesa, con una presencia que causa pavor.
  • Samuel Ramey, bajo cantante, como Attila . Orquesta del Teatro alla Scala. Director: Riccardo Muti Milán, 1991    <p/> Attila es, junto con Oberto, el único papel de bajo que Verdi otorgó el carácter de protagonista.  <p/> El personaje representa a pesar de su apariencia de fiero guerrero adornado de una voz tremenda, la ingenuidad ante un nacionalismo pujante que Verdi ofrece a un público italiano ávido de reafirmación patria.  <p/> Esta aria, heredera del belcantismo que paulatinamente iría abandonando el maestro, es para un auténtico lucimiento.
  • Donald McIntyre, barítono en el papel de Wotan . Orquesta Bayreuther Festpiele. Director: Pierre Boulez Bayreuth, 1990. <p/> Wotan, el dios tuerto de la mitología alemana, es el paradigma del «heldenbariton» o barítono dramático wagneriano. Es hermano del «Holandés errante» y descendiente de «Fidelo», de Beethoven.  <p/> Debe tener un timbre oscuro, muy cercano al del bajo. No es de extrañar que hayan interpretado este personaje bajos plenos.  La tesitura que abarca en la saga del anillo no es amplia (desde el bemol 2 hasta el fa 4) pero está llena de matices, como comprobaremos en la pieza que acompaño: su famosa despedida en La Walkyria, «Leb' wohl, du kühnes, herrliches Kind».
  • Renato Bruson, barítono, como Carlos V. Orquesta del Teatro alla Scala . Director: Riccardo Muti.  Milán, 1982.   <p/> Carlos V, de Ernani, es un personaje para tenor lírico con spinto, como lo son Nabucco o Rigoletto. Está a caballo entre un lírico a secas y un dramático, como la mayoría de los papeles creados para esta tesitura por Verdi o Puccini,  <p/> Renato Brusón es uno de ellos que además de poseer una bella voz tiene las facultades de un actor consumado, como lo demuestra a lo largo de toda esta ópera dirigida en el Teatro alla Scala por Muti en 1982.
  • Titta Ruffo, barítono, como Iago.  Enrico Caruso, tenor, como Otello.  Director: Walter B. Rogers.  Nueva York, 1914. <p/> Caruso y Ruffo estaban en el momento de la grabación en plenas facultades. Ambas eran auténticas estrellas del canto y según parece, ningún teatro de la ópera podía permitirse el lujo de contratarlos juntos.  <p/> La grabación original ha sido mejorada y aunque el dueto, en mi opinión, no es perfecto, es todo un tesoro si además de escucharlo se ve la paritura.
  • Dietrich Fischer-Dieskau, barítono, en el papel de Wolfran . Coro y Orquesta de Bayreuth . Director: Joseph Keilberth. Byreuther Festpiele, 1954.   <p/> Este papel de Wolfram, de Tannhäuser, es quizás el único que Wagner escribió para la tesitura de barítono lírico, si atendemos a los varios tipos de barítono en que esta voz es clasificada por algunos musicólogos. En este grupo está icluido Fischer-Dieskau, quizás uno de los más destacados.
  • Lauritz Melchior, tenor, como Otello.  New Symphony Orchestra.  Director: John Barbirolli . Grabado el 17 de mayo de 1930 para el sello Electrola. En 1930 graba para esta casa discográfica varias piezas operísticas, entre ellas el aria de Otello «Dio! mi potevi scagliar». Lo hace en alemán en una bellísima interpretación que ningún otro tenor ha vuelto a igualar. Es un pasaje en el que Otello pasa de la desesperación a la autocompasión al recordar su mala suerte ante la imaginada traición de Desdémona y, finalmente, a la sed de venganza: tres estadios en la personalidad de Otello magníficamente expresados por Lauritz Melchior.<p/>He incluido la partitura en el vídeo pero no la letra puesto que la traducción que he encontrado en alemán está incompleta: faltan, a mi juicio, algunas palabras. <p/>Existe casi unanimidad que uno de los más grandes heldentenor ha sido Lauritz Melchior  (Copenhague, 1890,  - Santa Mónica, California, 1973). Comenzó como barítono interpretando en 1913 a Germont, de La Traviata. <p/>  Durante una gira en Suecia, la cantante Sarah Jane Walter, conocida como Madame Cahier lo escucho alcanzar el Do sobreagudo y lo convenció de que su tesitura era la de tenor. Llegó a interpretar el Tristan más de 200 veces.<p/>  En 1950 el nuevo director del MET, Rudolf Bing, se negó a renovarle el contrato. Comienza entonces a aparecer en comedias en radio y televisión junto a Fred Allen y Bing Crosby, y a rodar en Hollywood algunas películas (una de ellas con la nadadora Esther Williams). En 1973 muere Hollywood a la edad de 83 años.<p/>  Fue el primer heldentenor en grabar un disco y el primero en cantar por la radio. Con 70 años nada menos interpretó en la radio danesa el primer acto de la Walkyria.
  • Tenor: Luciano Pavarotti. Orquesta Filarmónica de Londres . Director: John Pritchard . Glyndebourne, 1964. <p/>  En el período Barroco se escribieron muchas obras con personajes destinados a ser interpretados por castrados. Uno de ellos es Idamante, de la ópera «Idomeneo» de Mozart. Hoy en día, a falta de castrados, el papel es interpretado normalmente por mezzos líricas, las mismas que hacen de Cherubino o Dorabella, o contratenores.  O por tenores, como es el caso de esta interpretación que hace Luciano Pavarotti, en el aria «Il padre adorato».
  • Maro del Monaco, tenor en el papel de Otello . Orquesta y Coros del Teatro Pérez Galdós.  Director: Eugenio Marco.  Las Palmas de Gran Canaria, marzo de 1972  .<p/> <p> Mario del Monaco interpretó el papel de Otello 427 veces. Debutó en este papel en el Teatro Colón de Buenos Aires en 1950 bajo la dirección de Antonino Votto y cerró el ciclo 22 años después en Las Palmas de Gran Canaria y en la Ópera de Bruselas, en 1972, cuando tenía 57 años y ya estaba aquejado de una dolencia renal que le llevaría a la muerte algunos años después. <p> Su interpretación de «Esultate» es soberbia y no he escuchado a ningún otro tenor realizar el legato tan formidable que hizo en 4 o 5 ocasiones, la última precisamente en Las Palmas a esa edad de 57 años. Un legato que dura nada menos que 16 segundos enlazando en una sola respiración los dos siguientes versos:  <p> «Dopo l'armi <p> lo vinse l'uragano.»  <p> Toda una proeza que el propio del Monaco ya había hecho antes con una duración de ¡¡¡ 19 segundos !!!. Una barbaridad que con solo escucharla produce fatiga.
  • Franco Corelli, como Calaf, en Turandot .Orquesta del MET de Nueva York .Director: Leopoldo Stokowsky.  Nueva York, marzo de 1961.  <p> Una de las voces más destacadas entre los spinto, además de Fleta, es, sin duda, Franco Corelli, con una potencia y mordente en el agudo extraordinarios. Su presencia física agraciada y su magnífica voz hacían de él un tenor completo, capaz de enamorar a quien le escuchaba y a quien, además, le veía. <p> Hay dos grabaciones memorables de este tenor interpretando a Turandot: una es la grabación en estudio que para la RAI hizo con su orquesta de Milán en el año 1958 bajo la dirección de Previtali, y otra es la que hizo en vivo años más tarde, en 1961, en el MET neoyorkino bajo la dirección de Leopold Stokowski.  <p> En un principio iba a traer aquí la grabación de la RAI por el hecho de que veíamos interpretar a Corelli (además de escucharle). He preferido, sin embargo, la segunda grabación del año 1961 porque está hecha en el escenario y con la dirección de Leopoldo Stokowsky, nada menos, a quien recuerdo de la película «Fantasía».  <p> La grabación que traigo, sin embargo, tiene algunas alteraciones hechas por mí. En la representación original de 1961 en Nueva York el público estalló entusiasmado con vítores y aplausos al acabar Corelli por lo que Stokowsky tuvo que interrumpir la obra. Yo he editado este final uniendo la reanudación de la pieza con el final del canto y pasando los aplausos al final. Es decir, he imaginado el transcurrir del aria como debió ser. Ha sido una manipulación, un experimento, un entretenimiento sin malicia. No obstante, para respetar las cosas como fueron, he incluido también el final tal y como se produjo realmente, con los aplausos del público enfervorecido y la reanudación de la obra por su director. Espero que se me sepa perdonar esta edición creativa.
  • Miguel Fleta, tenor, como Duque de Mantua. Rigoletto.  Orquesta de la Scala de Milán.  Director: Arturo Toscanini . 1924  .<p> Ya he dicho en otro sitio que Miguel Fleta fue una de las mejores voces de su tiempo. Tras su muerte en 1938 su estela se fue injustamente desvaneciendo y su merecida fama de antaño apenas es hoy recordada por unos pocos. Tenía, como todos los divos, un genio indomable y la seguridad que tenía en si mismo le enfrentó hasta con el mismísimo Arturo Toscanini.  El autor de su biografía Alfonso Carlos Saiz Valdivielso, en su libro «Memoria de una voz», recoge una anécdota durante la interpretación en la Scala de Milán, en 1924, del aria de Rigoletto «La donna è mobile» que Fleta interpreto contraviniendo a las indicaciones del director de la orquesta, Arturo Toscanini. Durante uno de los filados de Fleta, Toscanini no esperó y puso en marcha la orquesta dejando en evidencia la disarmonía entre director e intérprete.   Al término de la obra, Fleta reconvino a Toscanini con quien sostuvo una tensa conversación:  -¡Mire maestro, no vuelva a ponerme en evidencia! -¡Haré lo mismo cada vez que usted pretenda enmendarle la plana al autor! - ¡Eso ya lo veremos! -¡Claro que lo veremos! -¡Pues sepa - le espetó Fleta- que el público viene a verme a mí que estoy de frente, y no a usted que está de espaldas! <p>  Tres días más tarde, en una nueva representación, el orgulloso español claudicó frente al maestro e interpretó el aria según sus instrucciones.   Pocas semanas después, Puccini, a punto de morir, aún no ha acabado de componer el acto III de última ópera: Turandot. Habla con Toscanini a quien revela que sus tenores favoritos para representar a Calaf son Beniamino Gigli o Giacomo Lauri Volpi. Toscanini guarda silencio y Puccini se da cuenta de que el mutismo de su amigo es elocuente: <p>  -¿Tú qué opinas? -Que Calaf exige una voz plena de melancolía -¡Melancolía, melancolía! - replica el compositor-. ¡Qué voz tiene melancolía! - ¡La de Miguel Fleta! -contesta Toscanini -¿De modo que prefieres a ese diablo español? -Si he de ser yo quien elija desde luego. <p>  Así fue como Fleta interpretó en Milán, en 1926, dos años después de la muerte de su autor, el papel de Calaf. Había acabado la ópera un año antes el autor de «Cyrano de Bergerac», Franco Alfano.  Toscanini fue el encargado de estrenar la obra de su fallecido amigo  pero al llegar a la mitad del tercer acto, justo allí donde había quedado inconcluso, bajo la batuta y dijo al público: «Aquí acabó el maestro. En esta nota falleció» y abandonó el atril.
  • Miguel Fleta, tenor, en el papel de Mario Cavaradossi . Orquesta del Teatro alla Scalla.  Director: Carlo Sabajno,  Milán, 1922  . <p> Hay mucha discusión sobre la datación de las grabaciones que hizo Fleta de este «E lucevan». En el disco que aquí traigo está esta versión está fechada en 1922 y parece coincidir con otras informaciones.  <p> Fleta tenía una voz abaritonada, potente con spinto y una capacidad para el filado y la messa di voce extraordinarias, como podemos apreciar en esta aria de Tosca. <p> Hay opiniones encontradas acerca del final del aria en que el tenor exagera el lloro. Hay que tener en cuenta el gusto de la época, distinto al de hoy. No obstante, Mario está a punto de morir y no hay mayor dramatismo que, en esos momentos en que la muerte está cerca, recordar, como decía Dante, lo bello de la vida.  <p> Hay varias anécdotas relativas a las relaciones que tuvo Fleta con Puccini y con Toscanini. El primero tras escuchar a Fleta interpretar esta aria le preguntó por qué lo hacía sin ajustarse a la partitura («Si hubiese querido escribirla como usted la canta lo había hecho») y la respuesta fue que de ese modo no solo le aplaudían sino que le pedían el «bis». En realidad, todos los cantantes se permiten licencias (Kraus, sin embargo, interpretaba tal como estaba escrito), mejorando unas veces lo escrito o estropeándolo. <p> La anécdota con Toscanini se refiere a otra aria de la ópera «Rigoletto» que se contará en su sitio. Baste decir, que a pesar de las diferencias que el tenor aragonés tuvo con el compositor italiano, este aconsejó a Puccini que para el estreno de «Turandot» no había otra voz tan melancólica para el papel de Calaf que la Miguel Fleta.
  • Tito Schipa, tenor, en el papel de Tito di Lauro.  Película «Vivere» de Guido Brignone. 1937 . Director de Orquesta: Domenico Savino
  • Plácido Domingo, tenor, en el papel de Mario Cavaradossi.  Orquesta del MET .Director: Giuseppe Sinopoli. Escenografía: Franco Zeffirelli. Nueva York, 1985.
  • María José Montiel, mezzosoprano, en el papel de Concha. Zarzuela «El Niño Judío» del maestro Pablo Luna. Lletra de Antonio Paso y Enrique García Álvarez. Orquesta Filarmonía.  Director: Pascual Osa.  Teatro Real de Madrid , 2005. <p>  «El Niño judío» es una zarzuela (no es «género chico») de dos actos estrenada en el Teatro Apolo de Madrid en 1918.  La Zarzuela es un género musical típicamente español que no sucumbió a las modas operísticas alemanas, italianas o francesas aunque tampoco traspasó nuestras fronteras debido, tal vez, a los temas tan españoles y folklóricos que trató. Algunas zarzuelas están a la altura de las mejores óperas por su calidad musical y teatral. No debe confundirse la zarzuela con el llamado «género chico» que son obras generalmente de un solo acto.   Este es un vídeo con finalidad cultural que no pretende vulnerar derecho de autor alguno.
  • Mezzosoprano: Teresa Berganza, interpreta a Cherubino.  «Las bodas de Fígaro», de W. A. Mozart. Hermann Prey (Il Conte di Almaviva),  Ilva Ligabue (La Contessa di Almaviva),  Mariella Adani (Susanna), Erich Kunz (Figaro),  Teresa Berganza (Cherubino),  Christiane Gayraud (Marcellina),  Bruno Marangoni (Bartolo),  Michel Hamel (Don Basilio),  Jeanne-Maria Grobel (Barbarina),  Jean-Christophe Benoit (Antonio) Aix en Provence, 1962. Orquesta de la Sociedad de Conciertos del Conservatorio. Director: Michael Gielen.  <p> En la partitura aparecen dos notas más pequeñas sobre «ridiRO» y «deSIR» que son llamadas notas de «apoyatura». Son notas llamadas extrañas que componen un adorno musical. Ocupan un grado superior o inferior a la nota principal y, por lo general, toma la mitad del valor de esa nota. En la ejecución recibe un apoyo más fuerte que la nota principal.
  • Mezzosoprano: Rinat Shahan en el papel de Cherubino. Royal Opera House, 2006. Orquesta de la RoH. Director: Antonio Pappano. <p>  La mezzo israelí realiza una serie de adornos de notas picado ligadas y otras especies de acciacaturas o mordentes en la partirura original.
  • Elina Garanca, mezzosoprano, como Nicklausse. Anna Netrebko, soprano, como Giulietta. «Belle nuit, ô nuit d'amour». Los cuentos de Hoffmann (Les Contes d'Hoffmann), de Jacques Offenbach (1819-1880). Orquesta Filarmonía de Praga. Coro Filarmónico de Praga (Master: Lukas Vasilek). Director: Emmanuel Villaume. Praga, 2008. <p>  Vídeo de la grabación para el disco (CD) de Deutsche Grammophon titulado «Anna Netrebko, souvenirs» <p> El compas de la partitura es de 6/8, es decir, que entran 6 notas en cada compás y que esas notas son corcheas según indica el número 8. En este compás de 6 por 8 entras 6 corcheas. <p>  Esta «Barcarola» o «Belle nuit...» la compuso Offrenbach para su ópera «Les Fées du Rhin (Las hadas del Rin)» su única ópera seria junto a los famosos «Cuentos de Hoffamann». Offenbach murió antes de poder acabar esta última obra, que fue terminada por Ernest Guidaud quien utilizó la canción de «Las hadas del Rin» para completar la obra inacabada de Offenbach.  <p>  «Los cuentos de Hoffmann» es una ópera basada en relatos escritos por el poeta Ernst Theodor Wilhelm Hoffmann, conocido como E.T.A. Hoffman (pues cambio el nombre Wilhelm por el de Amadeus por su admiración a Mozart).  <p>  El propio Hoffman da vida a un personaje de la ópera encargado de presentar varios cuentos amorosos. Fue la última ópera de Offenbach del medio centenar, entre bufas y operetas, que escribió a lo largo de su vida.
  • Soprano dramática: Nina Stemme, como Isolde. Mezzosoprano: Katarina Karnéus, como Brangäne. Tristan und Isolde, de Richard Wagner (1813-1883). Orquesta Filarmónica de Londres. Director: Jirí Belohlávek. Glyndebourne Festival, agosto 2007.  <p> Espléndida interpretación de esta «maldición de Isolde» llena de pasión y desgarro. Su voz dramática, cristalina y potente, hacen de la Stemme, probablemente, una de las mejores Isolda de hoy en día.
  • Soprano: Diana Damrau, como la Reina de la noche (Die Königin der Nacht). Orquesta de la Royal Opera House. Londres, 2003. Director, Colin Davis.  Simon Keenlyside. Dorotea Roschmann. Will Hartmann. Franz-Josef Selig. <p> Una puesta en escena formidable con una gran interpretación de los cantantes, especialmente Pamina y esta Reina de la Noche. Tiene una gran convicción su personaje que requiere fuerza y un carácter dominante. A mi gusto, sin embargo, se queda corta en los dos La finales.  <p> Este papel. en mi opinión, tiene la suficiente consistencia, personalidad y carácter como para que no sea interpretado por sopranos ligeras, lírico-ligera o líricas, sino más bien dramáticas de coloratura.
  • Soprano: Cristina Deutekom, como La reina de la noche (Königin der Nacht). La flauta mágica (Die Zauberlöte). Película dirigida por Peter Ustinov. Orquesta filarmónica del estado de Hamburgo. Director, Horst Stein. <p> El papel de la Reina de la Noche debería cantarlo, en mi opinión, una soprano dramática de coloratura y no una ligera o lírico ligera. Es un personaje poderoso, autoritario e influyente que requiere ese dramatismo, perdido hoy en día con la moda de las cantantes ligeras; y al mismo tiempo debe tener agilidad para llegar a las notas sobreagudas, como el Fa que he señalado en la partitura. Deutekom cumple bien su papel, como también Edita Gruberoba.
  • Soprano: Lucia Popp, como la Reina de la Noche ( Die Königin der Nacht). Grabación de 1964.      Nicolai Gedda (tenor). Walter Berry (bass-baritone). Gottlob Frick (bass). Gundula Janowitz (soprano). Lucia Popp (soprano). Director: Otto Klemperer. Philharmonia Orchestra & Chorus.
  • Contralto: Katheleen Ferrier. London Symphony Orchestra. Director: Adrian Boult. Basil Lam (clavecín). Grabado en Londres: Kingsway Hall 7 de octubre de 1952.
  • Soprano: Shirley Verrrett, como Lady Macbeth. Teatro alla Scala, 7 de diciembre de 1975. Emitido por la RAI en enero de 1976. Orquesta del Teatro alla Scala. Director, Claudio Abbado. <p> Otros artistas de aquella representación, que al decir de los entendidos, fue memorable, fueron Cappuccilli, Luchetti, Savastano, Ghiaurov. <p> Esta aria está destinada a una soprano dramática de coloratura a la que se exige un gran temple y capacidad para llegar en pianísimo a un Re bemol 6 (yo considero la escala del piano desde un Do 1; otros a ese Do le apellidan 0).
  • Soprano dramática: Maria Guleghina, como Abigaille. MET, 2001. Orquesta del Metropolitan de Nueva York. Director: James Levine. <p> El papel de Abigaille es un claro ejemplo de personaje destinado a una soprano dramática de agilidad. La partitura exige saltos desde las notas más bajas hasta las elevaciones del sobreagudo.
  • Soprano: Anna Tomowa-Sintow, en el papel de Elvira. Orquesta del Metropolitan de Nueva York (MET). Director: James Levine. Centennial Gala, 1983. <p>  Aria con enorme dificultad vocal con un par de escalas descendentes de dos octavas y frecuentes ascensos al sobreagudo.
  • Mezzosoprano: Cecilia Bartoli. Il Giardino Armonico. Director: Giovanni Antonini. La pieza musical pertenece al álbum SACRIFICIUM. <p> Incluyo la partitura en Sol mayor como referencia. La mezzo comienza un semitono por debajo, en Fa sostenido. En la repetición no incluyo partitura porque la interpretación es más libre. <p> Esta aria forma parte de la ópera Atajerjes, compuesta por Riccardo Broschi, Nicola Porpora y Johann Adolph Hasse. El aria fue cantada para Carlo Broschi, arias Farinelli, bajo la dirección de su hermano Riccardo en 1734.
  • Mezzo: Elina Garanca. Ópera-Gala en Baden-Baden,2007. Otros cantantes en aquella Gala: Elina Garanca, Anna Netrebko, Ramón Vargas, Ludovic Tézier,  Orquesta sinfónica de Baden-Baden y Friburgo. Marco Armiliato.
  • Mezzo: Olga Borodina. Tenor: Plácido Domingo. Samson et Dalila, de Camille Saint-Saëns. Nueva York, 28 de septiembre de 1998. Orquesta, coro y ballet del Metropolitan de Nueva York (MET). Director: James Levine.  Samson, Plácido Domingo. Dalila, Olga Borodina. Grand-petre de Dagon, Sergei Leiferkus. Abimélech, Richard Paul Fink. Un vieillard hébreu, Rene Papé.
  • Mezzo: Cecilia Bartoli, en el papel de Rosina. Schwetzinger Festspiele, 1988. Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart y el Coro de la Ópera de Colonia. Maestro: Gabriele Ferro . <p> Reparto de aquella puesta en escena: CARLOS FELLER - Bartolo. DAVID KUEBLER - Conde de Almaviva. GINO QUILICO - Fígaro. KLAUS BRUCH - Fiorello. ROBERT LLOYD - Basílio. EDITH KERTESZ-GABRY - Berta. PAUL KEPPELER - Ambrogio.
  • Mezzo: Vesselina Kasarova, en el papel de Rosina.  El barbero de Sevilla. Zurich, 2001. Coro y Orquesta de la Ópera de Zurich. Director: Nello Santi. Director de escena: Grischa Asagaroff.
  • Soprano: María Bayo, interpreta a Rosina.  El Barbero de Sevilla, de G. Rossini. Teatro Real de Madrid, 2006. Orquesta del Teatro Real. Coro de la Comunidad de Madrid. Director: Gianluigi Gelmetti. Director de Escena: Emilio Sagi.  Otros intérpretes de aquella puesta en escena: El conde, Juan Diego Florez; Fígaro, Pietro Spagnoli; Bartolo, Bruno Practico; Rosina, María Bayo; Don Basilio, Ruggero Raimondi.
  • Mezzosoprano: Teresa Berganza, interpreta a Cherubino.  Las bodas de Fígaro. Aix en Provence, 1962. Orquesta de la Sociedad de Conciertos del Conservatorio. Director: Michael Gielen.
  • Soprano: Pilar Lorengar. Las bodas de Fígaro. Aix en Provence, 1955. Orchestra De La Societe Des Concerts Du Conservatoire. Director: Hans Rosbaud.
  • Soprano: Leontyne Price. «Visi d'arte, visi d'amore...». Tosca, Act II. G. Puccini. Metropolitan Opera orchestra. Director: Kurt Adler. Grabación en directo en el MET el 7 de abril de 1962.
  • Soprano: Dorothea Roschmann. Royal Opera House (2006). Orquesta de la RoH. Director: Antonio Pappano.
  • Soprano: Renata Tebaldi. Grabación para DECCA (también llamada London Records). DECCA SXL 2043. Operatic Recital. Made in England. 1960. Orquesta de la Accademia di Santa Cecilia. Director: Alberto Erede. Grabado en Roma en 1955. <p>  Tebaldi falleció en 2004 a la edad de 82 años. El NYT le dedicó un obituario firmado por el crítico Anthony Tommasini, del que copio un párrafo: <p> «At her best, in roles like Puccini's Mimi and Tosca and Verdi's Desdemona and Alice Ford, Miss Tebaldi was a singer of overwhelming expressivity and matchless vocal allure; arguably, hers was the most sumptuously beautiful lirico-spinto soprano voice (one combining lighter lyrical and weightier dramatic qualities) to emerge from Italy in the 20th century.».
  • Soprano: Pilar Lorengar, soprano, como la Condesa Almaviva. «Las bodas de Fígaro» de W.A. Mozart.  Alguna fuente asegura que esta interpretación tuvo lugar el 11 de abril de 1965 en Munich.
  • Soprano: Elisabeth Grümmer. Orquesta Filarmónica de Viena. Director: Wilhelm Furtwangler. Salzburgo, 1954. <p> El personaje de Donna Anna, de Don Giovanni, está hecho para una soprano lírica o spinto que debe alcanzar varias veces el do sobreagudo y otras notas altas (si5 y la5)  <p> La realización del vídeo original es realmente deficiente, manteniendo un único plano lejano sin otorgar a la interpretación ningún carácter psicológico, por lo que he preferido retocar algunos planos acercando la imagen de la soprano en los momentos más dramáticos. El resto de las imágenes es el original.
  • Soprano: María Callas en el papel de Violeta. Tenor: Francesco Albanesse en el papel de Alfredo. Orchestra sinfonica di Torino della RAI. Director: Gabriele Santini. Maestro del coro Giulio Mogliotti. Grabación en estudio del año 1953. Torino, Rai Auditorium. <p> Aunque esta es una grabación de Maria Callas hecha en estudio, he incluido como escenario el Teatro alla Scala en una interpretación libre. Los flashes finales son también una recreación artística, sabiendo que en la Scala muy pocas veces se disparan flashes durante las representaciones o al final de estas. Nótese como disminuye la luz en el teatro al caer el telón y cómo este rebota casi naturalmente. También debería decir que hay notas (normalmente corcheas) que la soprano (formidable) alarga necesariamente aunque el autor de la partitura no escribiera calderones o blancas.
  • «Durch Zärtlichkeit», «Con ternura...» de la ópera «Die Enfuhrung Aus Dem Serail», «El rapto en el serrallo» de Mozart. Soprano: Desiree Rancatore, como Blonde. Mozart In Turkey-BBC. Rodado en el Palacio Topkapi de Estambul. Director: Charles Mackerras. Scottish Chamber Orchestra. Vídeo con imágenes y audio propiedad de BBC
  • Soprano: Mirella Freni.  Director de la película y escenógrafo: Jean-Pierre Ponnelle. Wiener Philharmoniker. Director: Karl Böhm.  <p>  «Las bodas de Fígaro», dirigida por el propio autor, se estrenó el Primero de Mayo de 1786 en Viena donde hubo otras 8 representaciones. A finales de ese mismo año, se estrenó en Praga donde alcanzó un gran éxito, celebrado por el propio Mozart en una carta a su amigo el barón Gottfried von Joacquim: «Nada se oye por aquí excepto cantar, silbar o tararear el Fígaro». La obra volvió a Viena en 1789 y Mozart, a petición del  libretista Lorenzo da Ponte, revisó la partitura para adaptarla a Aderiana Ferrarese del Bene, la nueva soprano que sustituiría a la primera, Nancy Storace, en el papel de Susana. Y así el aria «Venite inginocchiatevi» fue sustituida por «Un moto di giogia», y la titulada «Deh viene non tardar» (que en nuestro vídeo canta Mirella Freni, una de las mejores Susanas, y sopranos), fue cambiada por «Al desio di chi t'adora» que en el vídeo es interpretada por la mezzo Cecilia Bartoli. Ambas arias comienzan igual, con «Giunse alfin il momento...» pero luego divergen tal como hemos visto.
  • Mezzosoprano: Cecilia Bartoli, en el papel de Susana. Las bodas de Fígaro, de W.A. Mozart. James Levine, director. MET-1998.<p>  SUSANA NO ES UNA «SOUBRETTE»<p>  «Al hablar de las sopranos ligeras mencionaba que según muchas opiniones se incluía el papel de Susana, de «Las bodas de Fígaro», en la categoría de «soubrette» quizás porque representa el típico papel de criada inteligente y coqueta, sin tener en cuenta que Mozart le otorgó un caracter más importante, con más cuerpo y protagonismo. Pongo aquí dos ejemplos, uno el interpretado por una soprano lírica como Mirella Freni y el otro por  la mezzo Cecilia Bartoli,  en los que se verán las diferencias de tesitura (además de otras muchas, lógicamente).   En cualquier caso, esta aria, escrita para soprano lírica, requiere habilidades de coloratura, como se verá.   Notaremos que ambas piezas comienzan con la misma música y letra, pero en la segunda estrofa difieren completamente. En el enlace se explica el por qué: http://www.rinconcete.com/OPERA_MOMENTOS_ESTELARES.html
  • La española Elvira de Hidalgo fue profesora de María Callas entre 1938 y 1943, a quien enseñó, además del «bel canto» la técnica del «pasaje de la voz», que Pavarotti, por ejemplo, tardó 6 años en dominar. Aquí canta «Ombra leggiera» de la ópera Dinorah, de Giacomo Meyerbeer, mientras su consagrada alumna la escucha sonriendo.
  • Esta mezzosoprano española, exacta en el fraseo y la intención, contribuyó a la restauración filológica del belcantismo rossiniano. Murió a muy temprana edad, a los 41 años, e interpretó una única película, cuyas imágenes forman parte de este video que incluye 2 arias y una zambra gitana, Clavelitos, del maestro Valverde.
ARIAS DE ÓPERA CON PARTITURA PARA SEGUIR LAS NOTAS MUSICALES
Primera parte de un viaje por Ecuador en el que descubrí el archipiélago de las Galápagos. No todas las islas están abiertas al turismo, pero las visitables dan una idea de lo extrañas que son y de los fabulosos animales que las habitan. Me sorprendió la actividad contaminante del ser humano en la capital de la isla Santa Cruz, Puerto Ayora. El vídeo, en  ALTA DEFINICIÓN, dura poco y desde luego es mejor que muchas mamarrachadas que la insistencia de amigos y familiares en sus correos, nos obliga a ver en Youtube.
«ECUADOR, DEL SOROCHE AL LLANO»
1. LAS GALÁPAGOS

«EL PERITO MORENO QUE NO VIO EL PERITO MORENO
1. La Patagonia

Un viaje a la Patagonia argentina desde los tiempos de Magallanes, pasando por los intentos colonizadores de la corona española, hasta la exploración de Francisco Moreno, los conflictos por las fronteras y la llegada de galeses, ingleses, argentinos y españoles a esta zona desértica y fascinante, sin olvidar los terribles sucesos de la Patagonia Rebelde y la Campaña al desierto. Un recorrido por el glaciar Perito Moreno, sus majestuosos y espectaculares desprendimientos, sus características y el lago (el lago Argentino) que lo recibe. Solo dura 19 minutos y esta en HD.
VER AQUÍ LOS ORÍGENES DEL DOCUMENTAL PERIODÍSTICO
Si quieres ver este visor a toda página, pincha en el icono de la esquina inferior derecha que aparecerá al pasar el ratón por la zona. Así podrás leer todo los textos que rebasan el tamaño actual.
LA ABDICACION y PROCLAMACIÓN DEL REY